EarthBound tiene una relación interesante con la música. A lo largo del juego, las referencias musicales abundan: se utiliza un sample de Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band (Reprise), hay un submarino amarillo y muchas canciones se parecen a otras populares como es el caso de la batalla contra Franky y Johnny B. Goode.Pero, la importancia de la música va más allá de similitudes musicales.

EarthBound es uno de los pocos casos que tenemos en los videojuegos donde su soundtrack no solo aumenta las emociones que su juego busca provocar, sino que es parte fundamental para el desarrollo de sus temas. Ness y sus amigos recuperan ocho melodías que representan su progreso de la niñez a la edad adulta y a las dificultades que conlleva. Muchas de las tonadas de EarthBound son melancólicas y nostálgicas, como si nos recordaran aquellos hermosos momentos de nuestra infancia. EarthBound es una aventura que debes experimentar por tu cuenta, mínimo si es por medio de su banda sonora.

La franquicia de Final Fantasy es una de las más influyentes y longevas de los videojuegos. Y aunque ya gozaba de cierta popularidad poco después de su lanzamiento, no logró tanta aceptación hasta 1997 cuando Final Fantasy VII se estrenó para el primer PlayStation. Las razones son variadas: el logro tecnológico que implicó, buenas mecánicas de juego, eventos emotivos en la historia como la muerte de personajes importantes (tú sabes de quién hablamos) y, en definitiva, su soundtrack.

Las pistas de Final Fantasy VII logran capturar a la perfección el sentimiento de misterio y aventura que todo buen RPG debe evocar en ti. Si lo jugaste cuando eras niño, es inevitable escuchar las canciones y recordar cada momento de tu aventura. Final Fantasy VII goza del prestigio que tiene debido a lo influyente que fue en su momento. Si bien algunos elementos no han envejecido tan bien como nos gustaría, su música sigue tan perfecta como lo fue hace 20 años.

¡Rápido!, ¿En qué piensas cuando escuchas la palabra anime? Probablemente lo último que dirías es rap. Y curiosamente esta combinación no es la más extraña que escucharás en este clásico del Nintendo DS. The World Ends With You mezcla en su soundtrack todo tipo de géneros populares, para darle un aire hip a su música. Después de todo, una parte fundamental del juego es la moda, su banda sonora tiene que estar a la altura.

Las canciones incluidas en The World Ends With You te tendrán agitando tu cabeza con el ritmo durante todo el juego y no importa si eres fan del hip-hop, el JPOP o el pop convencional, hay de todo un poco para ti. Además, el diseño de personajes, un gameplay tan poco convencional como entretenido y una buena historia te mantendrán pegado a la consola por más tiempo del que esperarías. Déjate llevar por el remolino de sonidos que es la banda sonora de The World Ends With You.

Pocas veces un título de videojuegos había sido tan apropiado. El soundtrack de Castlevania: Symphony of the Night es una verdadera sinfonía, un logro artístico en los videojuegos. Cada una de sus piezas se hila a la perfección, en secuencia, a pesar de la combinación variada de géneros que Yamane incluye en su creación. Desde el jazz, la orquestra hasta canciones salidas de iglesias góticas.
Son estas últimas piezas las que más que ninguna otra te transporta al tenebroso mundo de Castlevania. La música perfecta para un título donde juegas como el mismísimo hijo de Dracula.

Avanzado para su época se queda corto para describir a este genial videojuego de culto. Si aún no te has dado la oportunidad de jugarlo, no sabemos qué estás esperando. Solo te pedimos que cuando lo hagas, te consigas unos audífonos para que tu experiencia sea de verdad asombrosa.

2017 fue bueno con nosotros los gamers: nos trajo excelentes videojuegos, tanto de viejas franquicias como de nuevas. A este último grupo pertenece Cuphead, el increíblemente popular juego indie que toma inspiración de las caricaturas de los años 30. Conocido y aclamado por su desafiante gameplay y por un apartado visual que simplemente te roba el aliento, Cuphead tiene todavía más que ofrecer. Por ejemplo, su música.

Debido a que Cuphead está inspirado en las animaciones de la década de 1930 es normal que su música tenga inspiración en el jazz tan frecuente en la época. El soundtrack de este genial videojuego fue grabado con una big band y se nota. Todas y cada una de sus pistas desbordan pasión y su ritmo frenético es perfecto para las acaloradas (y a veces frustrantes) batallas que tendrás contra los jefes del juego.

Qué curioso que el otro título del 2017 que incluimos en esta lista también tenga jazz en su soundtrack. Pero, vamos, a todos nos encanta el jazz. Y si no éramos fans del género, nos convertimos en amantes apasionados de él tras escuchar el soundtrack de Persona 5. Te repetimos que este año fue genial para la industria y, por eso mismo, a veces resulta imposible jugar todos los títulos disponibles. Eso no significa que no podamos disfrutar de sus soundtracks. Y si hay uno que debes sentarte a escuchar la próxima vez que tengas tiempo libre, ese es el de Persona 5.

Que la estética de anime no te distraiga de la complejidad de su música (aunque si visitas Honey’s Anime no deberías tener ningún tipo de prejuicio con este estilo), el trabajo que Shoji Meguro logró en este juego es admirable. El estilo de acid jazz que escogió para el soundtrack queda perfecto para la atmósfera de este JRPG. Te garantizamos que en cuanto presiones play, no podrás dejar de tronar los dedos y mover los pies, nunca lo verás venir.

Undertale fue, sin lugar a dudas, una de las sorpresas del 2015. Este pequeño juego indie capturó los corazones de millones de videojugadores a lo largo del mundo, incluido el nuestro. La mente maestra detrás de esta joya de los videojuegos, Toby Fox, ha repetido hasta el cansancio lo increíblemente influyente que fue EarthBound para la creación de su ahora clásico. Pero no era necesario que Toby remarcara estas similitudes, pues son más que obvias. Desde el estilo humorístico con el que trata la historia y a sus personajes, como aquellos momentos donde la cosa se pone más seria, Undertale mantiene ese sello de personalidad que caracteriza a EarthBound, con su personalidad alocada, bizarra, pero increíblemente atractiva.

Sin embargo, si hay algún elemento donde podríamos atrevernos a afirmar que el alumno superó al maestro es en el soundtrack. El comentario podrá parecer sacrílego, pero permítenos explicarnos: ¿recuerdas cómo dijimos que en EarthBound la música complementaba los temas del juego? Undertale hace esto mismo y lo lleva al siguiente nivel. Desde su concepción, la música juega un papel fundamental, sin el cual este juego no sería la obra maestra que es. ¿No nos crees? Toby Fox compuso el tema de cada personaje primero y después, a través de ella, realizó el diseño de la mayoría del elenco.

Todo se subordina a la música en esta aventura. Siéntate a escuchar la banda sonora y encontrarás muchas similitudes entre diversas canciones. Pero esto no es plagio. No. Las similitudes se encuentran entre las piezas de momentos o personajes relacionados en la historia. A través de estos parecidos musicales, se establecen conexiones más profundas y paralelismos que el mismo jugador establece. Finalmente, el uso magnífico que Toby hace de sus piezas en los momentos adecuados, como la canción que empieza justo después de ese enorme viaje en elevador, incrementa el efecto emotivo que tienen en el jugador. Cuando tan solo unas cuantas notas pueden ponerte al borde de las lágrimas, sabes que hiciste un buen trabajo.

Sin importar qué pienses de los juegos del plomero bigotón, es difícil negar la calidad de su banda sonora en prácticamente todos sus títulos. Y así como Mario ha pasado por casi todas las profesiones conocidas por el hombre, también ha incursionado en todo tipo de géneros musicales: desde jazz hasta orquesta. De hecho, Super Mario Galaxy es una de las pocas ocasiones en las que Nintendo utilizó una orquesta en vivo para uno de sus títulos.

La Gran N ha utilizado tan poco este recurso porque piensan que el sonido no parece provenir tanto del juego como de un CD y esto puede provocar que las personas no jueguen a su propio ritmo, sino al que les marca la música. Sin embargo, uno de los compositores, Mahito Yokota, y el director de sonido, Masafumi Kawamura, pelearon por la inclusión de una orquesta en vivo. Ambos sabían que el sentimiento que transmiten personas tocando en vivo no puede ser imitado por medio del sonido generado por computadoras.

Nos da gusto que hayan luchado tanto para tener su orquesta en el estudio de grabación porque piezas como “Gusty Garden Galaxy”, “Good Egg Galaxy” y “Comet Observatory” siguen siendo algunas de las mejores piezas que hayamos escuchado en un juego de Mario. Sin lugar a dudas, Super Mario Galaxy (y su secuela, cabe decirlo) cuentan con uno de los mejores soundtracks no solo de la serie de Super Mario, sino de la industria de los videojuegos en general.

Ah, The Legend of Zelda: Ocarina of Time. Para muchos, este es uno de los mejores videojuegos jamás creados. Y no les falta argumentos para sostener tal afirmación, ¿eh? Este título no es nada menos que mágico. Pocos juegos te logran transportar de tal forma a un mundo completamente distinto como este. Sus inolvidables personajes, fantásticos enemigos y memorables localidades dejan un impacto tan profundo en ti que ni siquiera necesita de la nostalgia para que lo lleves en tu corazón. Puedes jugarlo por primera vez a los cinco, quince o cuarenta años y Ocarina of Time te robará el aliento.

Y esto se debe no en menor medida a la calidad de su banda sonora. Todas y cada una de sus piezas son inolvidables, uno de los mejores trabajos que Koji Kondo ha tenido en toda su historia con Nintendo. La historia de Ocarina of Time es un viaje de fantasía a través de la niñez a la edad adulta y las piezas de Kondo transmiten eso a la perfección: la tonada de Lost Woods nos hace sentir de nuevo como niños que juguetean buscando mil y una aventuras, mientras que Temple of Time nos hace sentir en nuestros hombros el peso de los años y lo que su andar implica.

Boleros, sonatas y minuetos, Ocarina of Time nos bendijo con unas de las bandas sonoras más memorables no solo de The Legend of Zelda, sino de los videojuegos en general. Gracias por toda la magia que nos concediste con tu música, Koji Kondo.

El equipo detrás de Chrono Trigger era llamado el Dream Team, un grupo de veteranos de los videojuegos en todas las áreas que se reunieron para hacer realidad este asombroso videojuego. Y vaya que cumplieron y superaron todas expectativas con el producto final.

Cualquier fan de Chrono Trigger te dirá que uno de los aspectos más memorables del juego es su música. Estas piezas eternas no pierden el tiempo y te transportan a su mágico mundo desde el primer segundo. Si existe algún videojuego que transmita de forma magistral los ambientes y las sensaciones que cada momento de juego busca provocar en ti, es este. Frog’s Theme pone en nuestra mente la historia de un trágico héroe medieval caído en desgracia, pero que se alza para combatir la injusticia,
Chorridors of Time es una bella pieza que nos llena de recuerdos y aunque Lavos pueda amenazarnos con un futuro que se rehúsa a cambiar, Epilogue - To Good Friend nos recuerda que con la ayuda de nuestros amigos, nada es imposible.
Más de 20 años han pasado desde su lanzamiento y las canciones de Chrono Trigger siguen llegándonos al corazón de la misma forma que en los tiempos del Super Nintendo. Chrono Trigger y su banda sonora son, en verdad, atemporales. Esa es la señal de una excelente banda sonora. Sus canciones no solo mantienen su misma calidad que cuando las escuchamos en un inicio, sino que tocan cada fibra de nuestro ser como si fuera la primera vez. Todo gamer que se respete debe escuchar este soundtrack mínimo una vez en su vida (y después lo querrá escuchar otra y otra y otra vez).